Aqui está um resumo:

Um comboio do metrô de Nova Iorque transporta 1.200 pessoas. Este blog foi visitado cerca de 5.900 vezes em 2011. Se fosse um comboio, eram precisas 5 viagens para que toda gente o visitasse.

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Tudo bem que a trama é batida: é a velha história do padre-sem-fé-que-não-acredita-em-exorcismo, com o velho sacristão mostrando que o Diabo existe sim, e se ele existe, Deus também está por aí. Neste caso, o padre descrente é interpretado por um cara chamado Colin O’Donoughue, um novato ainda sem carisma e que obviamente desaparece quando Hopkins entra em cena. Há tempos que o veterano ator não entrega uma atuação tão expressiva, principalmente nos últimos quarenta minutos de filme. Assistindo ao filme, aparenta que ele está se divertindo nas horas em que seu personagem, o padre excêntrico radicado em Roma, mas nos momentos mais densos ele exala autoridade e respeito. E entre os atores está Alice Braga, a filha da Sônia, que não compromete nas poucas cenas que aparece. Pelo menos, não está tendo uma carreira tipo Rodrigo Santoro, que entra mudo e sai calado na maioria das produções estrangeiras que aparece. Alice tem diálogos e tem relativa importância para a trama, e surge natural, sem maneirismos.

Contando com as presenças de Toby Jones e Rutger Hauer, dois atores que eu pessoalmente admiro, em participações pequenas mas bastante reveladoras, o filme só não é melhor pelo fato da história usar chavões e clichês típicos do gênero. Mas já é um grande avanço a produção não tentar fazer o espectador de idiota e dar sustos fáceis que nada tem a ver com o andamento da história. Perto de um “Pânico 4”, este filme massacra, soando mais inteligente e mais assustador. O diretor Mikael Hafström controla o filme com mão firme, não usando aqueles truques bestas de filmes de suspense feitos para adolescentes para assustar a qualquer custo. “O Ritual” se mostra muito mais competente em, na maior parte do tempo, apenas sugerir do que escancarar. O que é, na realidade, muito mais interessante. O filme não é perfeito, tem um começo um tanto arrastado, as situações acontecem de forma mais lenta no início. Mas quando engata, dá um show em qualquer produção do tipo filmada recentemente. Talvez os outros produtores precisem dar uma olhada neste filme, para reaprender como se faz para dar medo de verdade.

Trailer de “O Ritual” – Legendado

Só que esse “a mais” espalhou-se por outros discos. Sinatra convidou Jobim para outra parceria em 1969, mas não rendeu um Volume II de “Francis Albert Sinatra & Antônio Carlos Jobim”. As músicas gravadas naquele ano foram para outro LP, e ficaram meio esquecidas, ofuscadas pelas preciosidades contidas no álbum de 1967. Porém, no ano passado lançaram “The Complete Reprise Recordings”, a compilação de todas as canções gravadas pela dupla nas duas vezes em que se encontraram. São vinte faixas que soam como se tivessem sido gravadas ontem, tamanha é a excelência da remasterização. Isso contando apenas a parte técnica, porque a música contida no CD é de altíssima qualidade. As melodias de Tom se encaixaram na voz profunda de Sinatra com precisão. Apesar disso, por conta dos diferentes momentos da vida de ambos, as primeiras músicas são as que têm melhor interpretação, enquanto as restantes se destacam mais pela orquestração, mais pomposa e vibrante do que a calmaria das cordas e do violão da primeira fase. Nada que atrapalhe a audição: ouvir da primeira a última faixa é como dar um passeio num dia alegre e ensolarado na praia (como em The Girl From Ipanema, One Note Samba e a colorida Drinking Water) com eventuais nuvens de melancolia (como em Dindi, Meditation e a fantástica How Insensitive).

Infelizmente, Frank e Tom só se encontraram mais uma vez depois disso, quando o primeiro gravou “Duets II” – outra obra que futuramente quero comentar – e já próximos do fim de suas vidas: Jobim se foi primeiro, em dezembro de 1994, enquanto Sinatra partiu em maio de 1998. Deixaram marcas duradouras na música popular, cada qual ao seu jeito. E a união de suas vozes foi finalmente imortalizada nesse álbum definitivo, e cada vez que eu o ouço é como se eu ganhasse mais um dia de vida, tamanha é a sensação de conforto, de alegria que as músicas passam. Sou novato na obra de Frank Sinatra, e nem tão novato assim na de Tom Jobim. Ao descobrir as canções que gravaram juntos, senti que eles deixaram impresso suas marcas no tempo e na história, e que nada no mundo de hoje, neste século que vivemos, é capaz de reproduzir com tamanho entusiasmo e genialidade este encontro único, e que provavelmente não ficará só na minha memória, mas na de todos que apreciam uma boa música e que sabem que, com ela, podem chegar ao céu.

Sinatra/Jobim: The Complete Reprise Recordings
Frank Sinatra e Tom Jobim
1967-1969/2010
Universal Music
Jazz/Bossa Nova

Garota de Ipanema (The Girl from Ipanema)
Frank Sinatra & Tom Jobim (com legendas)

E Schneider é extremamente competente na direção e na edição, da qual também é responsável, em revelar as várias camadas que cobrem a verdadeira intenção deste homem velho e enigmático. Ajudado por uma equipe técnica excelente (em especial a fotografia e a direção de cenários), que fazem uma construção de época impecável, o diretor realiza um filme que, ao mesmo tempo em que soa divertido, deixa durante a projeção uma sensação de estranhamento, que cresce à medida que a historia avança. E como não poderia deixar de ser, Duvall mais uma vez mostra que ainda pode entregar uma atuação digna de premiações. Sendo deixado de lado no Oscar deste ano (teve a vaga “roubada” por Javier Barden), recebeu indicações em praticamente todos os outros prêmios da temporada por sua excepcional interpretação na pele de Felix Bush, homem cheio de mistérios, ranzinza e impaciente mas que, de alguma forma – e muito se deve ao carisma do ator que o interpreta – cativa o espectador, fazendo que se acompanhe com interesse a sua jornada. Claro, um filme que tem como coadjuvantes ninguém menos que Bill Murray, Sissy Spacey , Lucas Black e Bill Cobbs já não poderia ser ignorado, ainda mais com todos em momentos inspirados. Porém quem é o veterano ator que, já octogenário, ainda consegue levar um filme inteiro nas costas. É realmente lamentável que ele venha sendo tão mal aproveitado, apenas em pequenas pontas em filmes maiores.

No fim das contas, Get Low se mostra um belíssimo filme de atuação, onde a história é apenas  o mote para que os atores preencham a tela e nos encantem com suas interpretações. Não que o roteiro seja ruim: as cenas finais tem uma carga emocional impressionante, não deixando nenhuma aresta a ser aparada. Filme bem acabado, bem realizado e, principalmente, original. Coisa que vem se tornando cada vez mais difícil de encontrar, depois da inundação de adaptações de livros infanto-juvenis, de quadrinhos ou remakes as quais temos de nos acomodar atualmente. É, e sempre será um prazer assistir a filmes que nos provoquem, que nos façam pensar sobre nós mesmos e o que fazemos de nossa vida, para que não nos tornemos infelizes e amargurados com o nosso próprio destino, como Felix Bush acabou por se tornar.

Estando lá, tive a honra de me encontrar com Alex Gonçalves – do cultuado e clássico Cine Resenhas – e com o Bruno de Souza, do não menos divertido Cine Caolho. Portanto, um encontro de cinéfilos para apreciar um filme clássico. E onde eu poderia querer coisa melhor? E digo a vocês aqui, que ainda tem paciência de ler o que eu escrevo e com toda a calma do mundo aguardam por um texto deste autor bissexto: foi a melhor sessão de cinema que eu já peguei na vida. Sem brincadeira. Não só por ser “The Rocky Horror…”, filme excelente de Jim Sharman que é cult desde 1975. Mas também por ser uma sessão interativa: recebemos kits com “objetos de cena” para interagir com as cenas que iam se sucedendo. Nunca em toda a minha vida vi algo tão divertido: pessoas dançando junto com as canções, rindo e cantando a todo instante e usando os óculos de neón, os colares iguais ao do Dr. Frank (interpretado com maestria por Tim Curry, um de seus melhores papéis até hoje, rivalizando com o Pennywise de “It – Uma Obra Prima do Medo”). E ver Susan Sarandon, em início de carreira, cantando, dançando e vestindo aquelas roupas masoquistas é algo incomparável, ainda mais em tela grande. E houve algo emblemático para mim, e não sei se meus companheiros de sessão concordam, mas eu que estava sentado nas últimas fileiras achei maravilhosa a chuva de pulseiras de neón, que todos começaram a jogar para o alto quando o filme acabou. É uma das coisas que jamais vou me esquecer.

A qualidade do filme, enquanto cinema, pode ser discutível. Segundo Thiago, “é um filme tão ruim que chega a ser bom”. Eu particularmente discordo, porque gosto dele desde que me entendo por gente, ou seja, desde que o vi pela primeira vez em alguma sessão perdida no Telecine. Foi paixão à primeira vista. As atuações caricatas, as músicas grudentas, a direção caótica… tudo combina com a histérica história do casal que se perde e acha um castelo no meio do nada onde habitam os alienígenas geniais vindos do planeta Transex. Não parece exagerado. Não parece forçado. Parece muito divertido, isso sim. E ver em tela grande me fez crer que o filme é sim uma obra-prima. Acompanhado de tão ilustres companhias, foi uma noite e tanto, que eu vou levar para o resto de minha vida. E o povo cantando “Rose Tint My Rose” também está gravado a ferro e fogo na minha cabeça. Enfim. Só gostaria de deixar registrado aqui que ainda me emociono quando me lembro do que passei, do que vi naquela madrugada. Espero um dia ter emoção comparável. Mas sei que nunca terei uma experiência igual, porque coisas assim só acontecem com a gente uma vez na vida.

P.S.: Ajude a escolher! Este mesmo texto está em http://3-paragrafos.blogspot.com – se você achar que a página nova é melhor, insira junto com seu comentário aqui, que o novo visual do 3P quem escolhe é você!

Disse tudo isso porque me lembrei de quando vi “Tudo Pode Dar Certo”, o novo projeto de outono de Woody Allen. Se não me engano ainda não entrou em circuito no Brasil – que tradicionalmente atrasa a exibição dos filmes de Allen mesmo – mas tive sorte: peguei numa sessão especial em um especial em homenagem a carreira do diretor em São Paulo, no começo do ano. E como espero sempre o melhor dele, lá fui. E wow, lá estava a primeira cena, perfeita, irretocável, quando Larry David se levanta e diz seu monólogo para o público que o assiste no cinema, ou seja, nós. Dirige-se diretamente à câmera, nos encarando e jogando todas aquelas tiradas inteligentes que só Woody Allen sabe escrever atualmente (se bem que o roteiro tem mais de trinta anos, e ele só desengavetou agora, e fazendo as contas, foi escrito em sua época mais criativa, de humor mais afiado; hoje em dia ele se preocupa demais com os dramas, e não estou dizendo que isso seja de todo ruim). E só mesmo ele para conceber um sujeito arrogante, prepotente, cheio de si apesar de inseguro em relação a morte, a Deus e ao Universo, o que rende cenas engraçadissimas.  Personagem que cairia como uma luva para ele mesmo interpretar, sem dúvida, mas já não dá pra pensar outra pessoa no lugar de Larry David. E quando ele encontra Evan Rachel Wood, que faz a garota lerdinha que ele encontra perdida em Nova York, a gente pensa que o filme descambará para uma comédia romântica besta, dessas que sai em escala industrial todo ano. Mas não. Ao fugir do café-com-leite do gênero, Allen fez seu melhor filme na década.

Tecnicamente impecável e com uma trilha sonora sensacional (que tem até “Desafinado”, da dupla Tom Jobim/Newton Mendonça, vejam só!), “Tudo Pode Dar Certo” é bem dirigido, bem escrito e muito bem interpretado. São poucos os personagens, mas todos impagáveis, em especial a caipirona mãe e o “suspeito” pai de Melodie, feitos por Patricia Clarkson e Ed Bagley, Jr. É o tipo de filme que merece (ou merecia, não sei se já passou a época de concorrer) indicações aos prêmios de temporada. Há tempos uma comédia woddyalleniana não era tão divertida. Praticamente todos os diálogos saídos de Boris precisam estar em uma daquelas coletâneas de frases mal-humoradas, e Melodie é tão encantadora em sua ingenuidade que dá vontade de pegá-la pela mão e levar para casa. São 96 minutos bem gastos, com o melhor que a cabeça de um certo judeu novaiorquino pode oferecer: graça inteligente, que não nos julga idiotas a ponto de provocar riso frouxo. Não é de gargalhadas, mas de risos gostosos e satisfeitos. E mesmo que pareça um pouco surreal demais, o final traz uma mensagem excelente, marcante. Tá aí: já que comecei esse texto falando sobre as melhores primeiras cenas, preciso pensar em um novo texto, sobre os melhores finais. Se sair, com certeza este filme figurará entre eles.

[Durante a noite] Apesar de um começo aristocrático – em todos os sentidos – , logo entramos no mundo e na mente de Alice, logo, na insanidade saudável do diretor. Tudo em Wonderland é a cara do chefe: as árvores retorcidas, personagens esquisitos, visual estonteante, histórias quase sobrenaturais. O livro foi feito para ele, é fato. Ok que a história foi mudada, adaptada. Mas a essência é a mesma, e é isso que importa, e todos aqueles habitantes do País das Maravilhas que conhecemos bem estão lá, retratados à quase histeria. É realmente uma pena que o filme pareça oco, vazio de história, e que tudo o que se vê seja apenas uma justificativa para usar a tecnologia de fundo verde e de 3D (eu vi no 2D, mas logo vou experimentar em terceira dimensão em algum cinema de São Paulo). Como eu disse, as personagens estão lá, mas não são os mesmos do livro. Tivessem adaptado tal qual na história clássica, aí sim ficaria irretocável, porque o talento dos envolvidos (Burton, Johnny Depp, Helena Bonham-Carter, Crispin Glover, entre outros). Mas não dá para reclamar, quem está dentro da sala se esquece rapidinho desses detalhes, tamanho é o efeito que as imagens supercoloridas e surrealistas que correm pelo par de horas deixa na gente.

[No dia seguinte...] Também lamento não conseguir falar muito sobre o filme. O primeiro parágrafo deste texto eu escrevi assim que eu saí do cinema, quando cheguei em casa; agora bato essas linhas na manhã do dia seguinte, o que já me fez digerir melhor tudo o que assisti. O que me faz lembrar, agora, em destacar duas coisas a mais: a trilha – é do Danny Elfman, né? É o estilo dele, sempre excelente – e as personagens feitas em CGI, como o Gato de Chesire, por exemplo. Todos, absolutamente todos são carismáticos, encantadores, como não poderia deixar de ser. São mais encantadores até do que os atores (e assim mesmo Depp consegue, mais uma vez, chamar atenção para uma caracterização bizarra e um perfeito timing de comédia). Com tudo isso, o aguardado “Alice” é como um banquete pela metade: é maravilhoso de se ver, você até enche a barriga e sente-se satisfeito, mas depois dá a impressão de que a comida estava sem sal.  Não sei se sou eu que sou chato, mas lendo coisas a respeito na internet vi que não sou só eu quem pensa assim. Uma pena, realmente. Com tantas possibilidades de colocar seu filme entre os melhores feitos no gênero, Tim Burton faz um filme apenas bom, que até merece quatro estrelas numa análise (muito) mais otimista, mas que não se torna a obra marcante que todos esperavam. Mantenho ainda a opinião de que, como experiência visual, é a melhor coisa que eu já vi, impressionante mesmo. Mas no geral é mesmo um pouco decepcionante. De toda forma, é melhor que “Avatar”. O que já é muito bom.

O nome do diretor eu lembro bem por ser meu meio-xará: Luis Llosa. E não só por isso, mas também porque tive, por muitos anos, aquele pôster do filme na parede do meu quarto, aquele que é todo preto e só tem os olhos da cobra, e o nome de Llosa aparecia ali, em destaque até. Era um pôster aterrorizante, meus sobrinhos morriam de medo dele quando eram crianças. Era um cartaz bem feito, bonito mesmo. Pena que o filme não o seja tanto, porque imagine você, carissimo leitor, estando no meio da floresta amazônica diante de um bicho enorme desses, que só falta falar! O filme é ruim, uma afronta a inteligência racional, a Amazônia é toda estereótipo a direção parece perdida e conseguiram juntar o maior grupo de atores canastrões dos últimos trinta anos no mínimo. Mas, como tudo no mundo do cinema é diferente e controverso, “Anaconda” se tornou uma coisa que chamam de kitsch – de tão ruim que é, acaba ficando bom. Se a gente descontar o fato de que a peçonhenta do filme só falta bater um papo legal com as suas vítimas, como fazem os vilões que antes de matar explicam o passo-a-passo do seu crime e também o insignificante detalhe de que o roteiro é pior que uma bomba H, é bem possível de achar o filme ótimo. Como eu acho, mesmo tendo tantas lembranças não muito lisonjeiras e também por não saber o que é que deu no Jon Voight, o grande Jon Voight, em aceitar um papel onde ele encarna um personagem malvado com proezas corporais incríveis e com diálogos cafonas e ainda por cima se saber vomitado (?) pela cobra (??), dando uma piscadinha de olho ao sair dela (???). Até aceitaria tipos como Jennifer Lopez ou Ice Cube sendo deglutidos e depois sendo devidamente postos para fora da barriga da anaconda, mas o Voight não.

Só que, apesar de tudo isso, “Anaconda” é bom de se rever. Me atrevo a dizer que, de tão malfadado que é, a gente acaba gostando. Eu mesmo me atrevo a rever, de vez em quando, e morro de rir quando lembro do que aconteceu na época do lançamento, da sessão em casa e tudo. Assim como também dou risada de muitas passagens, diálogos e cenas do filme, mas que não tiram seu poder de diversão, e é esse pensamento que me faz escrever sobre ele numa bela manhã de sábado, quando a visão dos assassinatos que a cobrona comete no filme só poderiam estragar meu dia, se eu fosse mais racional pouquinha coisa. Junto com “Tubarão”, de Spielberg e de “Piranha”, de Joe Dante, este é um exemplar de longa-metragem que abusa da ferocidade da natureza usando animais que, ou são lendas ou têm uma história tão fantasiosa que seria impossível colocar num filme sem que avacalhem. O diretor Llosa teve coragem, pegou o negócio pelos chifres e encarou o desafio. O resultado foi considerado ruim na época, mas vem melhorando com o tempo, acredite. Talvez fosse uma metáfora, que o filme todo é tão clichê e que a gente, que teve que engolir toda aquela patacoada por mais ou menos duas horas, acaba jogando tudo pra fora. É, pode ser isso. Ou eu que estou viajando demais.

Robin Williams também é icônico. No começo de sua carreira, quando era visto apenas como um comediante escrachado – afinal, todo mundo sabe que ele interpretou Popeye, por Deus! – começou a se destacar em sua área, mostrando que tinha jeito pra coisa. E que era diferente dos demais. Seu estilo era quase subversivo, provocativo e beirando o surto total. Aliado a isso tinha um imenso carisma pessoal que lhe deu o status de astro. E foi tocando sua vida até que lhe deram o papel principal em “Bom Dia, Vietnã”, quando ele recebeu sua primeira indicação ao Oscar. Foi o começo de um estrelato e reconhecimento de seu talento, garantindo-lhe mais duas indicações nos anos seguintes. Mas, de repente, o sucesso pareceu escapar. Seus filmes perderam a graça, mas não era por sua culpa, mas sim os roteiros que ele escolhia para estrelar.  Estava condenado a ser apenas uma lembrança perdida em alguma esquina hollywoodiana quando apareceu Gus Van Sant e salvou sua carreira, fazendo com sua veia dramática fosse finalmente reconhecida e ele acabou ganhando o Oscar de Coadjuvante por “Gênio Indomável”. Ganhou status de gênio da comédia. Ficou ainda mais rico. Virou polemista por conta de suas piadas que muitos julgam grosseiras. E desde então alterna entre filmes muito bons ou muito ruins. Sem meio-termos.

E eis que vem Walt Becker, diretor de “Motoqueiros Selvagens” (que tinha Travolta como um dos protagonistas) para juntar essas duas histórias de vida em uma história que de tão non-sense beira o surrealismo. Colocar dois ícones americanos para dividir uma comédia foi algo bem ousado, imagino eu. Mas, ao julgar pelos trailers que foram sendo lançados durante os meses que antecederam a estreia, parecia que ia ser daqueles filmes que marcariam época. Sim, pois pelo trailer o filme se mostra muito mais engraçado do que realmente é. Não que não seja legal: a cena em que Williams literalmente queima em uma máquina de bronzeamento artificial esquecido lá por seu amigo que galanteia a atendente do lugar, e as reações das pessoas ao resultado, é realmente hilário. Mas todos – todos – parecem estar dopados ou sob efeito de LSD; existem excessos, e aquilo que deveria fazer rir causa apenas vergonha alheia, tanto pelos personagens quanto pelos atores. E mesmo contando com coadjuvantes de peso, como Matt Dillon, Justin Long e Kelly Preston, acaba decepcionando, deveria ser muito mais do que uma comediazinha esquecível, daquelas que nos faz rir vez por outra. Uma pena que “Surpresa em Dobro” não surpreenda em nada, e não corresponda a todas as expectativas apesar de não ser tão ruim assim. Mas também não é tão bom. Enfim: chega de traçar paralelos, vou direto ao ponto – agora há um meio-termo, para a carreira dos dois.

Em “A Vida de Brian”, há nudez, inclusive frontal, de Graham Chapman.  Mas ninguém pode dizer que seja ofensivo, porque está dentro do contexto, pois a história se passa na época em que Jesus Cristo ainda andava na Terra. E não creio que existissem roupas íntimas naqueles tempos (se eu estiver errado por favor me corrija), não é mesmo? Dito isso, não há puritanismo, nesse sentido é realismo. A reprodução que fizeram de Jerusalém é interessante, árido, amarelo-deserto. Seria um típico filme de época para contar o sofrimento de Cristo se não fossem John Cleese, Eric Idle, Terry Jones, Terry Gilliam, Michael Palin e o já citado Chapman. Inventaram a história de Brian Cohen, contemporâneo de Jesus, e que é confundido com um messias, e com isso botam abaixo dois mil anos de religião apenas usando de situações engraçadas, que na verdade, apenas trazem à luz o ridículo do fanatismo exagerado de certas organizações religiosas. Ninguém teve a coragem que eles tiveram, e poucos tiveram a audácia de seguir o caminho que eles deixaram aberto: é possível fazer graça com as instituições estabelecidas há séculos, sim senhor. E não há nada de errado nisso. Os Pythons mostram que nada é realmente sagrado, e que tudo pode servir de inspiração: se o sofrimento do filho de Maria pode servir ao drama, como em “Paixão de Cristo” de Mel Gibson, por que não pode servir a comédia também?

É claro, em 1979 chiaram bastante, a igreja católica condenou o filme, como fez quase uma década depois, com Martin Scorsese e seu “A Última Tentação de Cristo”. O que prova (ao menos para mim) que o papa não tem nenhum senso de humor. Até porque Cristo é citado pouquissimas vezes. Pura censura. Isso, claro, só serviu para aumentar o interesse no filme, que é excelente e é dos poucos casos em que fica mais atual a cada ano que passa. Pois é só ligar a TV e perceber os pastores, padres e afins apelando para interpretações ao pé da letra das sagradas escrituras, tentando vender a ideia de que somos pecadores em “negar” o salvador. O filme dirigido por Terry Jones, que é do grupo mesmo, e escrito por todos eles tem a qualidade de fazer rir e ao mesmo tempo pensar. Será que vale mesmo a pena seguir cegamente uma religião? Ou alguém? Como diz Brian, “vocês deveriam pensar por si mesmos!” – e a multidão que o idolatra apenas repete suas palavras, sem pensar nelas. Sou só eu quem pensa assim ou isso acontece até hoje, hein?